München in den Jahren 1908 bis 1914: Angezogen von der unberührten Natur der Voralpenlandschaft treffen sich internationale Künstlerinnen und Künstler, um die Malerei zu reformieren. Die führenden Köpfe heißen Wassily Kandinsky und Franz Marc. Ein Russe und ein Deutscher. 1911 hatten sie sich zum ersten Mal getroffen. Franz Marcs Gemälde "Die großen blauen Pferde" entstand im selben Jahr.

1912 gaben Marc und Kandinsky den legendären Almanach "Der Blaue Reiter" heraus. Darin sammelten sie Texte und Bilder unterschiedlicher Epochen und Kulturen. Marc (2. v. l.) und Kandinsky (sitzend) lösten sich von den bürgerlichen Vorstellungen von Kunst und propagierten ein neues Denken: Das Figurative spielte darin eine untergeordnete Rolle. Im Vordergrund stand das Fühlen und Abstrahieren.

Wassily Kandinsky vertraute auf die Sprache der Farbe, so nannte er auch im Zusatz seine programmatische Schrift "Über das Geistige in der Kunst". Kandinsky hatte eine eigene Farbenmoral: Die Farbe Schwarz verband er mit dem Bösen und dem Tod. Weiss dagegen stand für ihn für Leben. Auch anderen Farben ordnete er psychische Wirkungen zu: Rot-Grün symbolisierte für ihn beispielsweise Stärke.

Kandinsky beschrieb die Seele "als Klavier mit vielen Saiten". Die Verwendung von Primärfarben, also rot, blau, grün, gelb, waren für ihn ein Mittel, den Menschen in seinem Innersten zu berühren. Ähnlich ging er mit der Form um, die er davon befreien wollte, irgendetwas darzustellen. Seine Gemälde hatten Titel wie: "Improvisation", "Impression" oder "Komposition" (s. Bild: Komposition VII).

"Liegender Hund im Schnee" entstand 1910/1911. Friedlich liegt das Tier da, es scheint eins zu sein mit dem Untergrund. Franz Marc sah im Träumen eine positive Kraft, die hilft, zu den echten Dingen des Lebens vorzudringen. Franz Marc widmete der Darstellung von Tieren viel Aufmerksamkeit: Für ihn gehörten sie zu einer unschuldigen Urwelt, zu der Menschen keinen Zutritt hatten.

Die erste Ausstellung "Der Blaue Reiter" in München fand in der Galerie Thannhauser statt. Im ersten Raum hing auch das Gemälde "Die gelbe Kuh" von Franz Marc. Ganz im damals in Mode kommenden Stil des Expressionismus ist das Gemälde voller Dynamik. Konstrasierende Farbflächen leuchten dem Betrachter entgegen. Die massige Kuh scheint aus dem Bild herauszuspringen.

Auch Franz Marc malte immer abstrakter. "Stallungen" heißt ein Gemälde aus dem Jahr 1913, in dem die Pferdekörper kaum noch zu erkennen sind. Stattdessen tauchen alle Farben der Palette auf. Marc - wie allen anderen Künstlern des Blauen Reiters - ging es darum, die Grenzen zu anderen Gattungen zu sprengen. Farbe hatte für sie einen Klang und umgekehrt: Ton eine farbliche Entsprechung.

Auch August Macke nahm 1911/1912 an der legendären Aussstellung in der Galerie Thannhauser teil. Obwohl der Rheinländer nur 27 Jahre alt wurde, hinterließ er ein großes Werk. "Walterchens Spielsachen" erzählt von der unschuldigen Welt seines erstgeborenen Sohnes Walter. Gemälde seiner Familie, aber auch seine Reisen, sind Ausdruck seiner Sehnsucht nach einem verlorenen Paradies.

Einer der bedeutendsten Vertreter des Impressionismus ist Claude Monet. Inspiration fand er in seinem eigenen Garten im französischen Giverny. Die "Frau im Garten" (1867) zeigt die Gattin seines Cousins, die, in zeitgenössische Mode gekleidet, einen Spaziergang durch den sonnendurchfluteten Garten macht.

Zu Lebzeiten von Auguste Renoir erlebte Paris ein Aufblühen der Grünanlagen. Königliche Parks wurden der Öffentlichkeit wieder zugänglich und auch Privatpersonen legte sich selbst kleine Gärten an. Genau dort, auf den Grünflächen von Paris, fand der Freilichtmaler Renoir seine Inspirationen. Wie hier, als er seinen Freund "Claude Monet, malend in seinem Garten in Argenteuil" (1873) zeichnete.

Wassily Kandinsky gilt als Vater der abstrakten Malerei. 1909 kaufte seine Lebensgefährtin Gabriele Münter ein Haus in Murnau, am bayerischen Staffelsee. Der Maler selbst wurde in Moskau geboren - daher nannten die Nachbarn das Haus "Russenhaus". Das Paar liebte den selbst angelegten Garten, den Kandinsky nicht nur einmal malte. Dort entstanden bekannte Werke wie "Murnau. Der Garten II" (1910).

Der in Valencia geborene Joaquin Sorrolla gilt als "Maler des Lichts": Er verstand es, die Wärme des Südens einzufangen. Hier malte er den Jugendstilkünstler "Louis Comfort Tiffany" (1911). Das Porträt erweckt den Eindruck, als würde Tiffany seine Malerei nur kurz unterbrechen und wolle direkt weiter machen - zwischen den leuchtend gelben, weißen und blauen Blüten eines spanischen Gartens.

"Das Gemälde sieht gleichermaßen aus wie eine Landschaft, als auch wie ein Garten", meint die Kuratorin der Londoner Ausstellung, Ann Dumas. Pierre Bonnard ließ sich vom Pariser Alltagsleben inspirieren. Mit lebhaften Farben zeigt er hier eine junge Dame auf einem Liegestuhl, neben einem reichlich gedeckten Tisch und das mitten in der freien Natur - pure "Entspannung im Garten" (1914) eben.

Claude Monet war schon immer fasziniert von kunstvollen Spiegelungen im Wasser. Seine "Seerosen" (1914/15) sind weltbekannt. Er hatte sogar selbst Seerosen in seinem Garten, auf den er ziemlich Stolz war. "Abgesehen von der Malerei und der Gartenarbeit, gibt es nichts, worin ich gut bin. Mein schönstes Meisterwerk - das ist mein eigener Garten", sagte er kurz vor seinem Tod im Jahr 1926.

Für Matisse bedeutete das künstlerische Schaffen einen Weg, um seine inneren Visionen und Themen, die ihn emotional beschäftigten, nach Außen zu tragen . Die zeitgenössische Kunst wird vor allem von leuchtenden Farben geprägt. "The Rose Marble Table" (1917) ist eine der jüngsten Ausstellungsobjekte in der Londoner Royal Academy of Arts. Die Schau ist bis zum 20. April 2016 zu sehen.