Revolución rusa hace 100 años: el cine rompió moldes
Joachim Kürten
2 de noviembre de 2017
La transformación política y económica de la sociedad rusa a partir de 1917 estuvo acompañada de un cambio cultural. Se trataba de la creación de un “hombre nuevo”. El cine jugó un papel esencial en dicho proceso.
Imagen: absolut Medien GmbH
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"El alcohol, la iglesia y el cine" fue uno de los escritos del revolucionario ruso León Trotzki, donde expresó sus ideales: el cine como alternativa al alcohol, y la película como contrapeso a la fe religiosa. Los ideales de los revolucionarios rusos de la época fueron, en verdad, osados.
El cine ruso, de hecho, logró cobrar fuerza artística y diversidad durante algunos años. Los ideólogos de la revolución de 1917 reconocieron con rapidez que la transformación social debía consolidarse cultural y artísticamente. El ser humano no solo se alimenta de pan, quiere ser entretenido y antes educado. Por unos años, sucedió así y nacieron obras de arte memorables, hasta que Stalin apareció en escena y la vanguardia artística tuvo su final abrupto.
Para los cineastas se abrió, sobre todo en los años 20 del siglo XX, la posibilidad de triunfar con el arte sobre la propaganda y con el placer de experimentar sobre las ideologías rígidas. La editorial Suhrkamp, junto con "absolut medien”, empresa proveedora de DVDs, recopiló ocho películas de esa ápoca.
La mujer decide por sí misma su futuro. Así es el ideal de "el hombre nuevo".Imagen: absolut Medien GmbH
Películas que muestran el día a día
Los filmes escogidos son obras poco conocidas en Alemania. Todas tienen algo en común. Con estas películas no se trata de ilustrar lo sucedido en 1917. Tampoco están influenciadas por la posterior propaganda estalinista.
Los directores se centraron, tanto en los documentales, películas y cintas de animación, en el fenómeno del "hombre nuevo". Un claro ejemplo es la cinta "Cama y sofá”, del año 1927. El director, Abram Room, narró la historia de dos amigos en Moscú, que conocen, aman y se mudan a vivir con la misma mujer.
En "Cama y sofá", amor a tres bandas
Sin embargo y al contrario de lo que se puede esperar que suceda en los melodramas hollywoodienses, en esta cinta no existe conflicto entre ambos amigos. Por lo menos, ningún drama por celos. Incluso cuando la mujer se queda embarazada (no se sabe de quién) y ambos le recomiendan abortar, el amor a tres bandas no se desmorona. La mujer se va a vivir al campo, donde quiere tener a su hijo sola. Así finaliza la cinta.
Varios factores caracterizan al nuevo género llamado cine cotidiano ruso. Los tópicos de dichas películas son temas normales de la sociedad de entonces: la escasez de vivienda en las grandes ciudades rusas, las alternativas al matrimonio burgués, la libertad sexual, el nuevo papel de la mujer en la sociedad y el aborto, entre otros.
Escena cotidiana de la época.Imagen: absolut Medien GmbH
Temas revolucionarios, incluso ahora
Dichos temas son pensamientos revolucionarios que aparecen en la cinta "Cama y sofá”. Ambos hombres inscriben al niño como suyo, para compartir la paternidad. "Esto era, aunque excepcional, algo posible según la nueva ley de derecho matrimonial soviética”, escribieron los productores Alexander Schwarz y Rainer Rother, en la carátula del DVD.
Incluso cuando cineastas, como Room, trabajaban al servicio de los cambios sociales revolucionarios y colaboraban en la agitación ideológica de esos tiempos, a menudo infringieron, con sus historias, las normas oficiales. Algunas innovaciones sociales de la época, que fueron anuladas más tarde después de la toma de poder de Stalin, tuvieron eco en estas películas: por ejemplo, en materia de matrimonio, convivencia de pareja y el papel de la mujer.
El sistema represivo de los años 30 del siglo XX en la Unión Soviética anuló muchas de dichas innovaciones. Incluso si observamos a la Rusia actual de Putin, algunas cosas de entonces parecen revolucionarias.
Kürten Joachim (RMR/ER)
La historia del cine reflejada en películas
Casi desde que existe el cine se han realizado filmes sobre la filmación de películas. Tal es el caso de clásicos como “King Kong”, “Cantando bajo la lluvia” o ¡Salve César!”. Aquí, un recuento de las mejores.
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“King Kong” la original y la versión moderna
La versión original de "King Kong" (1933) con sul enorme simio y sus efectos especiales, fue un pilar fundamental para la historia del cine. A lo largo de los años se han hecho diversas versiones, incluyendo la de Peter Jackson en 2005. Es una historia de amor y suspenso, que sigue a un quipo de filmación que viaja a la Isla Skull. Allí es donde encuentran al colosal simio.
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“Sherlock Jr.”
La comedia muda "Scherlock Jr." (1924) fue probablemente la primera película en llevar al espectador detrás de cámara. Es la historia de Buster, quien sueña que es parte de una película en la que es un detective que resuelve un caso y se gana el amor de una chica. En la vida real, Buster inmita a su héroe. “Sherlock Jr.” es uno de los trabajos más importantes de Buster Keaton.
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"Singin' in the Rain"
La película “Singin' in the Rain” (1952) narra la historia de unos actores de Hollywood que se tienen que adaptar a grabar con sonido. Los actores tienen que hablar y hasta famosas estrellas perdieron de pronto popularidad. “Singin' in the Rain”, protagonizada por Gene Kelly (foto) y Debbie Reynolds, es además un tributo a las comedias musicales.
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"The Artist" (2001)
El filme francés es un homenaje a la era de las películas mudas y una declaración de amor a la producción cinematográfica. Fue grabada en blanco y negro y con poco diálogo. Aquí, también, los actores están en una transición al cine sonoro. En 2012, “The Artist” ganó cinco Óscar y tres Globos de Oro, entre otros premios.
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“Sunset Boulevard”
En este drama de 1950, el director Billy Wilder cuenta la historia de un fracasado director de cine llamado Joe Gillis (William Holden) y la actriz Norma Desmond (Gloria Swanson).
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"Le Mépris"
El filme “Le Mépris” (1963), dirigido por Jean-Luc Godard, refleja la vida en Hollywood y la comercialización del cine. Brigitte Bardot (foto), es la esposa del guionista Paul Javal (Michel Piccoli). Godard manifiesta su pasión por el cine y el arte en esta producción francesa e italiana.
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"Ed Wood"
En 1994,Tim Burton grabó en blanco y negro un filme en el que retrata al Hollywood de los años 50 y al director Ed Wood (Johnny Depp). Wood era un gran admirador de Orson Welles, pero no poseía el mismo talento. Se dedicó a filmar películas de bajo presupuesto, pero también fracasó una en la que el protagonista era Bela Lugosi (Martin Landau). La interpretación de Landau le valió un Óscar.
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“The State of Thing” (1982)
Dirigida por Win Wendeers, la película narra la historia de un director de cine, Friedrich Munro, que enfrenta problemas financieros para continuar con su producción. Ya que el cheque no llega de Los Angeles, Munro (Patrick Bauchau) decide viajar hacia allá personalmente. En esta película, Wenders hace referencia a otros filmes y directores como Friedrich Murnau y Fritz Lang.
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“State and Main” (2000)
La comedia dirigida por David Mamet narra la historia de una caótica producción cinematográfica. El equipo viaja a Vermont para hacer una película sobre un molino, pero cuando llega a la ciudad se da cuenta de que el molino ya no existe . La actriz protagónica quiere más dinero por su interpretación, el guionista se bloquea y el actor protagónico seduce a una jovencita (Julia Stiles, foto).
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"8 1/2"
El filme se centra en el director Guido Anselmi (Marcello Mastroianni), quien lucha contra un bloqueo creativo. El director de cine italiano Federico Fellini incorporó sus propios problemas como director en esta película filmada en 1963. Claudia Cardinale (foto) interpreta el personaje de la mujer ideal. La película ganó dos Óscar en 1964.
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"Boogie Nights"
Cuenta la historia del ascenso y caída del actor de porno Dirk Diggler (Mark Wahlberg, izquierda), y es al mismo tiempo una crónica de los años dorados de las películas pornográficas en la década del 70 y su declive en los 80. En 1998 fue nominada a dos premios Óscar.
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“¡Ave, César!”
La película narra como el productor Eddie Mannix resuelve diversos problemas. Uno de ellos es descubrir que sucedió con el actor protágonico, Baird Whitlock (George Clooney, foto), quien desaparece. La comedia (2016), dirigida por Ethan y Joel Coen, retrata al Hollywood de los años 50, un periodo de transición para la industria cinematográfica, amenazada por la competencia de la televisión.
