Герхард Рихтер (Gerhard Richter) - пожалуй, самый известный за пределами Германии немецкий художник из ныне живущих. Родился 9 февраля 1932 года в Дрездене, ребенком пережил войну. Его становление как художника началось в ГДР. Побывав на Западе и увидев работы коллег, Рихтер решил перебраться в ФРГ.

"Пикассо XXI века" называют Герхарда Рихтера критики и коллеги. Как и творения основоположника кубизма, произведения Рихтера занимают почетное место в ведущих музеях планеты, а также уходят за рекордные суммы с художественных аукционов.

Рихтер почти не идет на контакт с журналистами, не любит "выходить в люди", избегает участия в гламурных мероприятиях, любит уединение и покой. Этот немецкий художник - из тех звезд, кто держит свою жизнь за семью замками.

В картинах мастера отражается жизнь - его самого, его поколения, всей Германии. В 1965 году Рихтер пишет картину "Тетя Марианна". На полотне изображена девочка с маленьким Герхардом. Марианна погибла в возрасте 28 лет: страдавшая умственным расстройством, она была уничтожена по нацистской программе евгеники в феврале 1945 года.

В 1965 году Герхард Рихтер пишет картину "Дядя Руди". На ней изображен офицер вермахта. Он тоже погиб на войне, но не так, как Марианна. Жертвы и преступники в одной семье - типично немецкая ситуация.

Фотореалистичные изображения размыты, как будто промелькнули в старой черно-белой кинохронике. И поэтому запоминаются, становятся обобщенным образом. В этой манере Рихтер интенсивно работал на протяжении многих лет. С 1964 по 1967 год он писал многочисленные портреты коллег-художников, галеристов и коллекционеров. "Портрет доктора Кноблох" (1964) был первым такого рода.

Рихтер эмигрировал в Западную Германию в 1961 году - незадолго до начала строительства Берлинской стены. На Западе Рихтер вошел в группу художников, вдохновленных американским поп-артом. Результатом их творческих поисков стала выставка "капиталистического реализма" в одном мебельном магазине в Дюссельдорфе.

В 1962 году Герхард Рихтер начал проект "Атлас", в котором частная жизнь людей сопоставлена с рассказом о немецкой истории. Для этого проекта художник собирал газетные вырезки, фотографии, объекты и документы. В итоге в "Атласе" накопилось несколько сотен исторических реалий. В 1997 году этот архив целой эпохи был показан на выставке Documenta в Касселе и издан в виде фотоальбома.

Фотографии из "Атласа" стали основой для близкой концептуализму серии "48 портретов", с которой в 1972 году Герхард Рихтер представлял Германию на Венецианской биеннале. В фотореалистичной манере на портретах изображены личности, которые, по мнению Рихтера, оказали огромное влияние на эпоху модерна. Среди них - российские композиторы Чайковский и Стравинский.

Разностильное искусство Герхарда Рихтера не поддается однозначной категоризации. Известность принесли ему "фото-картины", которые он начал писать с 1962 года. Но это не совсем фотореализм. Общность скорее формальная: Рихтер просто использует снимок как основу. На его знаменитой картине "Эмма" (1966) изображена призрачная женщина, как будто сотканная из сновидений или воспоминаний.

"Бетти" (1988): Герхард Рихтер почти с фотографической точностью изобразил свою дочь. Портретом картину назвать нельзя - лицо сокрыто от зрителя. Зато тщательно переданы цвета и узоры одежды. Фотоподобная живопись буквально поворачивается спиной ко всем художественным нормам, но передает ощущение чистоты и красоты.

Рихтер рисовал не только людей и не только портреты. Внимание художника привлекала реальность во всем ее многообразии: от облаков и снежных покровов до зданий и военных самолетов.

Из серии картин, изображающих свечи, особую известность получила "Свеча" 1982 года - после того, как была использована группой Sonic Youth в оформлении обложки альбома "Daydream Nation".

В 1970-х Герхард Рихтер работает в стиле минимализм и создает монохромную серию "Серое". Говоря о своем любимом цвете, художник в 1975 году сказал: "Он не делает заявлений; не пробуждает ни чувств, ни ассоциаций; он невидим и не невидим. Его неприметность дарит ему способность быть посредником, проявлять нечто, как фотография (...) Для меня серый - эквивалент беспристрастности (...)".

Рихтер во всех своих работах экспериментирует со средствами выразительности в живописи. Взяв серый цвет как некую точку отсчета, он изучал возможные сочетания цветов и их воздействие на смотрящего. В цикле "Цвета" художник, используя красный, синий, желтый и зеленый цвета, вывел более четырех тысяч различных тонов.

Цветные квадраты легли в основу "пиксельного" витража для Кельнского собора. Витраж состоит из 11500 стеклянных квадратов 72 цветов. Он был установлен в готическом соборе в 2007 году.

Рихтер никогда не стоит на месте. После увлечения "пиксельными кубиками" и разноцветными полосками он отдался буйству абстрактного экспрессионизма, флагманами которого были американцы во главе с Джексоном Поллоком.

Абстрактные картины Рихтера стали окончательным его признанием самому себе в том, что тайну реальности постичь невозможно. "Меня интересует только то, чего я не понимаю", - говорит художник.

Творческое наследие Герхарда Рихтера огромно и многостильно. Он занимается не только живописью, но и фотоколлажем, инсталляцией, созданием монохромных паненелей и объектов из зеркал и стекла. Успеха и признания добивается он во всем, всегда и везде.

Три витража, изготовленные по эскизам Рихтера, с 2020 года украшают алтарные окна монастырской церкви в Толае - самой старой действующей обители в Германии. Художник предположил, что они, вероятно, станут последней его большой работой. Начинать какие-то новые монументальные проекты он больше не собирается: ограничится рисунками и концепциями для выставок.

Его называют "спасителем живописи в XXI веке". Отчасти потому, что он не отворачивался от холста, даже тогда, когда другие предрекали конец классической традиции. Герхард Рихтер убежден, что "когда не останется ни одного священника и философа, самыми важными людьми в мире будут художники". Другая его цитата: "Искусство - высшая форма надежды".

К юбилею художника в Германии приурочены три крупные выставки: в Музее Людвига в Кельне, в дрезденском Альбертинуме, в Новой национальной галерее в Берлине (откроется 10 февраля). Более того, до 13 марта с творчеством Рихтера можно ознакомиться и в Москве - в Третьяковской галерее, в рамках выставки "Многообразие. Единство. Современное искусство Европы. Берлин. Москва. Париж".

Георг Базелиц, которому 23 января 2018 года исполняется 80 лет, вполне может быть доволен предварительными итогами своей жизни. Честолюбивый нонконформист, он добился своей цели. Пусть самым дорогим и выставляемым немецким художником он не стал, но востребован и музеями, и рынком. И в истории стилей он оставил след как изобретатель неоэкспрессивного "перевернутого искусства".

Родился в 1938 году на востоке Германии. Настоящее имя Ханс-Георг Керн. Базелицом стал называться в честь родного города. Отец был учителем и нацистом. Воевал. Сидел. После войны работал мусорщиком. Мать тащила семью на своих плечах. Сын всегда и всем перечил. Потому и решил стать художником, чтобы быть не таким, как все. Художником стал в Берлине, сначала Восточном, а потом Западном.

Первая персональная выставка сопровождалась скандалом: полиция убрала из экспозиции две картины, на которых были изображены мальчики с большими пенисами. По нынешним понятиям в картинах не было ничего непристойного: художник сублимировал свои детские воспоминания и страдания нонконфирмистской юной души.

В конце 60-х Базелиц сформулировал свой принцип в искусстве: "Реальность - это сама картина, а не то, что на картине". Отсюда и перевернутые вверх ногами объекты - от деревьев до орлов и людей. Работает над картинами он, кстати, тоже не так, как все, начиная с нижней части, которая у него - верх, и заканчивая верхом, который у него - низ. Холст лежит на полу, и на картине остаются следы от обуви.

В монументальной портретной серии "Герои" (1965-1966) Базелиц обращается к воспоминаниям детства времен Второй мировой войны. На живописных полотнах - серия состоит из 60 картин - изображены изможденные солдаты и грязные работяги. Усталые и грустные антигерои, нарочито уродливые и небрежно написанные, они выбивались из общего тренда в искусстве.

С конца 70-х Базелиц увлекся скульптурой. И именно она помогла ему попасть в обойму мирового арт-рынка. Для Немецкого павильона на Венецианской биеннале в 1980 году Базелиц сотворил деревянного истукана с двусмысленно поднятой к небу рукой. Немцы пришли в ужас. Американцы были в восторге. Цены на Базелица взлетели вверх, увлечение художника скульптурой осталось.

Базелиц и его соратники поносили все гладкое и красивое в искусстве и превозносили дисгармонию и эстетику безобразного. Позже художественные критики назовут это "bad painting" - "плохой живописью", а Базелица - "хорошим художником "плохой живописи". Базелиц стал одним из основоположников движения "Новые дикие". Его представители вернули в живопись экспрессию, яростный мазок, яркие цвета.

Свой опыт жизни в социалистической ГДР художник отразил в монументальном живописном цикле "Русские картины" - "Russenbilder". В общей сложности 60 полотен были созданы им в период между 1998 и 2002 годами: Базелиц переписал в своем стиле ключевые произведения соцреализма. Обласканных партией и правительством художников в ГДР он при случае называл нехорошим словом Arschlöcher - "мразь".

Для "картин-невидимок" Базелиц так долго смешивает разные краски, пока смесь не приобретет монохромный черный цвет с едва проступающими разноцветными пигментами. На холсте фон и мотив сливаются в одно едва различимое в своих деталях целое. "Не надо искать в этом психологических объяснений или рассматривать это как закат творчества. Это эксперимент", - поясняет Базелиц свой новый стиль.

Начиная с 2005 года главной темой становится он сам как художник: Базелиц переписывает на новый лад собственные картины. А почему бы и нет? "Правила, - как он сам разъяснил, - имеют смысл, но они, как правило, все запрещают. Нарушать эти правила - это единственное, что может представлять интерес для художника".